Rupprecht Geiger 424/65 Oil on canvas 137 x 147 cm. Framed. Signed and dated 'Geiger 65' verso on canvas. Work number "424/65" verso on stretcher, with directional arrow and information. - Traces of studio and craquelure typical of works by Rupprecht Geiger. Rupprecht Geiger-Gesellschaft, Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich (ed.), Rupprecht Geiger, Werkverzeichnis 1942-2002, Munich 2003, cat.rais.no. 405 (catalogue raisonné by Pia Dornacher and Julia Geiger) Provenance Private collection, North Rhine-Westphalia Exhibitions Dusseldorf 1967 (Städtische Kunsthalle), Rupprecht Geiger, Malerei, Graphitzeichnungen, exhib.cat.no.27, p.26 with colour illus. Hanover 1967 (Kestnergesellschaft), Rupprecht Geiger, exhib.cat.no.28, p.45 with colour illus. (label verso) "The colour needs to be helped" said the 20th century colour painter Rupprecht Geiger. In the 1960s, Geiger realised this manifesto, which is fundamental to his work by means of a special painting technique with which, as in this painting, he created a fine, flat material structure with an almost pasty, in the broader sense not 'painted', but dabbed application. One could find associations to landscapes in the surfaces of Geiger's paintings; pointed modulated hills alternate with valleys; the light refracts in the scaly, matt paint structure and intensifies the tone of the colour in its refractions into force fields. Thus, Geiger develops his painting similarly to pictorial architecture consisting of colour and light and including a top and bottom. This was not the only difference between Geiger's works and the smooth and closed monochrome paintings of Ellsworth Kelly, Barnett Newman, and Ad Reinhard. Geiger does in fact create an imaginary space with the horizontal and the two competing colour fields and sustains its resonance in the uniformity of the colour application. But "what does colour actually look like?" At the beginning of the anthology published in 1975, Geiger asks himself this question with regard to his theoretical considerations and immediately answers it himself: 'Colour cannot really be seen; when we look at it, it is often merely a symbol of a mood, a conveyed illusion. To actually see colour, one has to close one's eyes and contemplate it." (Rupprecht Geiger, Farbe ist Element, Dusseldorf 1975, unpag.). Geiger's pictures transform themselves more and more into the absolute; they gain in direct corporeality, and expand the theoretical approach. Geiger intensifies the luminous power of colours in tonal graduations; a nuance of orange and pink in the delicate gradient supports the red in an imaginary violet in unbroken and unique significance, and in strong contrast to a broken white. Geiger's high demands on the magical effect of colours have been splendidly fulfilled with this painting. Rupprecht Geiger 424/65 Öl auf Leinwand 137 x 147 cm. Gerahmt. Rückseitig auf der Leinwand signiert und datiert 'Geiger 65'. Rückseitig auf dem Keilrahmen mit Werknummer "424/65" sowie mit Richtungspfeil und -angabe. - Mit Atelierspuren und den für Rupprecht Geiger typischen Frühschwundrissen. Rupprecht Geiger-Gesellschaft, Städtische Galerie im Lenbachhaus, München (Hg.), Rupprecht Geiger, Werkverzeichnis 1942-2002, München 2003, WVZ-Nr. 405 (Werkverzeichnis von Pia Dornacher und Julia Geiger) Provenienz Privatsammlung, Nordrhein-Westfalen Ausstellungen Düsseldorf 1967 (Städtische Kunsthalle), Rupprecht Geiger, Malerei, Graphitzeichnungen, Ausst.Kat.Nr.27, S.26 mit Farbabb. Hannover 1967 (Kestnergesellschaft), Rupprecht Geiger, Ausst.Kat.Nr. 28, S.45 mit Farbabb. (mit rückseitigem Aufkleber) „Man muss der Farbe helfen“, so der Farbmaler des 20. Jahrhunderts Rupprecht Geiger. Dieses für sein Werk grundlegende Manifest realisiert Geiger in den 1960er Jahren durch eine besondere Maltechnik, mit der er wie bei diesem Gemälde mit einem nahezu pastosen, im weiteren Sinn nicht „gemalten“, eher getupften Auftrag eine feine, flache materielle Struktur erzeugt. In Geigers Bild-Oberflächen lassen sich so Landschaften assoziieren, spitz modulierte Hügel wechseln mit Tälern; das Licht bricht sich in dem schuppigen, matten Farb-Gefüge und intensiviert den Ton der Farbe in ihren Brechungen zu Kraftfeldern. So entwickelt Geiger seine Malerei wie Bildarchitekturen aus Farbe und Licht, mit einem Oben und einem Unten. Nicht nur hierin unterscheiden sich Geigers Arbeiten damals von der glatten wie geschlossen monochromen Malerei eines Ellsworth Kelly, Barnett Newman oder Ad Reinhard. Und tatsächlich kreiert Geiger mit der Horizontalen und den beiden konkurrierenden Farbfeldern einen imaginären Raum und unterstützt in der Gleichmäßigkeit des Auftrages dessen Schwingung. Aber „wie sieht Farbe wirklich aus?“ Diese Frage stellt sich Geiger eingangs in der 1975 erschienenen Anthologie zu seinen theoretischen Überlegungen und beantwortet sie sogleich selbst: „Farbe kann nicht richtig gesehen werden, wenn wir sie anschauen ist sie oft nur ein Symbol für eine Stimmung, vermittelte Illusion. Um Farbe wirklich zu sehen muss man die Augen schließen und an sie denken.“ (Rupprecht Geiger, Farbe ist Element, Düsseldorf 1975, o.S.). Die Bilder Geigers wenden sich mehr und mehr ins Absolute, gewinnen an direkter Körperlichkeit und erweitern den theoretischen Ansatz. Die luminöse Kraft der Farben verstärkt Geiger in tonalen Abstufungen, eine Nuance von Orange und Rosa im zarten Verlauf unterstützt hier das Rot in einem imaginären Violett in ungebrochener wie einzigartiger Signifikanz, im kräftigen Kontrast zu einem gebrochenen Weiß. Den hohen Anspruch Geigers an die magische Wirkung der Farben hat sich der Künstler mit diesem Bild grandios erfüllt.